A Beaubourg, Yayoi Kusama expose deux installations aux miroirs où le visiteur se perd.

"Jouant sur le perte de repères par des effets de reflets et de lumières, ces chambres de méditations invitent à s'interroger sur le place de l'homme dans le cosmos. La création de différentes ambiances, tantôt diurnes et ludiques, tantôt nocturnes et magiques, participe au processus de répétition mis en place par Yayoi Kusama, une répétition sans ressassement, une sérialité toujours féconde et surprenante." 1

Dots obsession. Infinity mirrored, 1998, Yayoi Kusama à Beaubourg  

       Dans la première boîte à miroir, Dots obsession. Infinity mirrored room, des ballons rouges à pois blanc se reflètent, avec les visiteurs. Le sol et le plafond sont parsemés de pastilles de tailles différentes. Quelques ballons ont des formes phalliques. Yayoi Kusama fait remonter son obsession des pois à son enfance où dans une hallucination elle vit une pièce se couvrir du motif de la nappe qu'elle regardait:

" Là, partout, sur la surface de la vitre comme sur celle de la poutre, s'étendaient les formes des fleurettes rouges. Toute la pièce, tout mon corps, tout l'univers en seront plein; moi-même je m'acheminerai vers l'auto-anéantissement, vers un retour, vers une réduction, dans l'absolu de l'espace et dans l'infini d'un temps éternel. ... Peindre était la seule façon de me garder en vie." 1

   La répétition, l'accumulation, la disparition des limites et l'oblitération de soi seront des thèmes récurrents de l'oeuvre de Yayoi Kusama.

Yayoi Kusama à Beaubourg, installation par Palagret

   Le deuxième environnement, "Infinity mirror room filled with the brillance of life", Salle des Reflets Infinis pleine de l’Éclat de la Vie, est tout aussi ludique mais plus angoissant car l'espace se dissout dans l'alternance des lumières colorées. Au sol un miroir d'eau réfléchit les murs et le plafond miroirs. On tâtonne pour ne pas buter ou se cogner aux voisins quand la pièce s'obscurcit complètement. Une immersion sensorielle où le ballet des lumières créent une illusion incertaine d'espace sans fin. 

Infinity mirror room filled with the brillance of life, Yayoi Kusama à Beaubourg 

   Deux installations artistiques pas très loin des labyrinthes des fêtes foraines où le visiteur est désorienté et trompé par ses sens.

Infinity mirror room filled with the brillance of life

au fond yellow trees, Yayoi Kusama à Beaubourg 

   Voir la troisième installation de Yayoi Kusama: " I'm here but nothing", " je suis ici mais je ne suis rien". 

Yayoi Kusama, Beaubourg, Galerie sud

10 octobre 2011 - 9 janvier 2012

11h00 - 21h00 

Liens sur ce blog:

Printemps précoce aux Tuileries: trois fleurs monstrueuses de Yayoi Kusama

1- in Code couleur 11, revue du Centre Pompidou

    Voici ce qui arrive aux innocentes licornes qui se font capturer à cause de la duplicité d'une vierge. Attirée par la beauté d'une jeune fille, la licorne pose sa tête sur ses genoux et se laisse bercer par une douce mélodie. Alors les chasseurs arrivent et percent le flanc de la bête fabuleuse. Ils la dépècent et exposent fièrement sa dépouille.

Licorne de Xue Sun, 2011, porcelaine, détail

Bêtes off, Conciergerie

     A la Conciergerie de Paris, trois plasticiens exposent des oeuvres représentant une licorne, une chimère au corps de cheval avec une longue corne torsadée sur le front.

   Avec son pelage bouclé, la licorne de Xue Sun ressemble plus à la mythique toison d'or qu'au pelage d'un équidé. La corne d'or cependant ne laisse aucun doute sur l'identité de l'animal. La corne transperçant le cuir symbolise la violence faite aux animaux tout en évoquant la grâce et le mystère de l'unicorne.

Gloriosus, la licorne du Royaume-Uni, Renaud-Auguste Dormeuil 

Bêtes off, Conciergerie

  La licorne de Renaud-Auguste Dormeuil n'a rien de délicat ni de poétique. L'animal abattu est cloué sur une planche noire. Sa peau naturalisée n'est qu'une sinistre enveloppe vide dont les membres pendent lamentablement. C'est une image d'une grande violence. Avec le lion, une autre oeuvre de Dormeuil, la licorne figure dans les armoiries du Royaume-Uni et du Canada où elle symbolise la puissance. Ici, elle n'est qu'une puissance déchue.

Détail du sabot, Gloriosus, la licorne du Royaume-Uni

Renaud-Auguste Dormeuil , Bêtes off, Conciergerie

   La troisième licorne ne parle pas de mort mais de simulacre. C'est une vidéo de 7 minutes de Maïder Fortuné, visible sur un écran de télévision à l'entrée de l'exposition "Bêtes off". On y voit une licorne blanche peu à peu effacée par une pluie noire. On s'aperçoit alors que la corne est factice, il s'agit d'une mascarade. La fabuleuse licorne n'est qu'un monstre de foire bricolé que démythifie Maïder Fortuné. Inutile de rêver.

La licorne de Maîder Fortuné

   Damien Hirst, star de l'art contemporain, s'intéresse lui aussi à la licorne. Décapitée, il l'expose dans une cage de verre, à côté du couteau qui lui a oté la vie. Entière mais blanche d'un côté, écorchée de l'autre, une autre licorne était postée devant le Musée océanographique de Monaco.

   Les chasseurs des contes du moyen-âge ne pouvaient résister au plaisir de massacrer une créature aussi merveilleuse, symbole de pureté. Aujourd'hui, les plasticiens font de même; ils ne représentent la licorne qu'avilie. Dans un monde désenchanté, le merveilleux n'a plus sa place. Reste la violence et la dérision.

L'unicorne dans le bestiaire de Rochester, XIIè siècle

Xue Sun est née en 1980 à Shan Dong (Chine), elle vit et travaille à Paris où elle a été diplômée de l'Ecole supérieure des beaux-arts de Paris en 2008. 

Renaud Auguste-Dormeuil est né en 1968 à Neuilly. Il vit et travaille en France.

Maïder Fortuné est née en 1973, elle vit et travaille en France.

Liens sur ce blog:

Bêtes off à la Conciergerie: dépouille fabuleuse, le tatou de Huang Yong Ping

Damien Hirst

Une licorne perdue, une licorne retrouvée ... en morceau dans une vitrine de Noël

Un extrait de la video de Maider Fortuné

Bêtes Off

Conciergerie, 2 boulevard du Palais, Paris 2è

Du 16 novembre 2011 au 11 mars 2012 
Ouvert tous les jours de 9h30 à 18h

sauf le 25 décembre et le 1er janvier

Palagret

Les chimères dans l'art

décembre 2011

   L'art contemporain, tendance rigolo, nous offre de joyeuses sculptures pour voir la vie en rose. Voici quelques exemples:

1- Une panthère rose de Jeff Koons.

Pink Panther, Jeff Koons 1988
Porcelaine, dans le salon de la Paix

2- Un diamant rose, toujours de Jeff Koons:

Pink diamond, Jeff Koons

3- Un personnage de manga de Murakami.

Kiki de Takashi Murakami à Versailles

4- Les pois roses géants de la japonaise Yayoi Kusama:

"Dots obsession", installation de Yayoi Kusama

5- En plus sobre, une installation de néons de François Morellet:

Réinstallations de François Morellet à Beaubourg

   Sans oublier les cochons roses de Paul McCarthy.

Liens sur ce blog:

La ménagerie de Jeff Koons dans les salons royaux de Versailles

Murakami à Versailles: Flower Matango à la Galerie des Glaces

François Morellet, néons à Beaubourg

Yayoi Kusama et l'obsession des petits pois (dots) à La Villette

2012, voyez la vie en rose avec le street-art

Palagret

décembre 2012

la vie en rose

    Un fabuleux bestiaire se déploie sous les voûtes gothiques de la Conciergerie. Baleine, oiseaux, girafe, tatou, ours, licornes et même mouches se révèlent au détour des allées.

Le Tatou,2005, Huang Yong Ping, Bêtes off à la Conciergerie

    On s'aperçoit vite que pour la plupart, les artistes contemporains sont d'humeur assez macabre. Ils nous présentent des animaux coupés en morceaux, des chimères en cage, des dépouilles de cheval ou de licorne. Ce monde merveilleux n'est pas loin du cauchemar.

Tatou en morceaux, Huang Yong Ping, Lichaam de Berlinde de Bruyckere

 Bêtes off à la Conciergerie

    Huang Yong Ping expose un animal fantastique proche du tatou. Sa carapace est découpée en rondelles et posée sur de jolis plats de Sèvres en céramique au liseré bleu. Une image bizarre et absurde qui ne manque pas d'humour. Avec ces morceaux de carapace en grès, Huang Yong Ping se moque des trophées que les chasseurs accrochent au mur. Ici les prédateurs peuvent se rassasier de leur proie dans une vaisselle surdimensionnée. Un festin de géants, élégant et cruel, un festin impossible. 

Le Tatou,2005, Huang Yong Ping, Bêtes off à la Conciergerie

      Huang Yong Ping est au carrefour des cultures chinoise et occidentale. Le tatou est utilisé dans la médecine chinoise pour ses propriétés curatives et les plats se réfèrent aussi bien à la céramique chinoise qu'occidentale.

   Les animaux sont un des sujets favoris de Huang Yong Ping. Le cauchemar de George V (2002) représente un tigre sautant sur un éléphant; le cornac et le chasseur ont disparu, dévorés ou enfuis. Les animaux sont plus souvent victimes qu'agresseurs, soit réduit à leur squelette (tower snake), soit à leur enveloppe bourrée de paille (l'Arche de Noé), soit à des morceaux à déguster. 

Le Tatou,2005, Huang Yong Ping, Bêtes off à la Conciergerie

  Le Tatou de Huang Yong Ping a déjà été présenté au Louvre dans la salle à manger de Napoléon III et à la Manufacture de Sèvres en 2006 pour "Céramique Fictions". 

   A côté du Tatou de Huang Yong Ping, Berlinde de Bruyckere expose Lichaam, une dépouille de cheval, une peau posée sur des tréteaux.  

        à suivre

Bêtes off est une exposition organisée par Claude d'Anthenaise, directeur du musée de la Chasse et de la Nature.

Bêtes Off

Conciergerie, 2 boulevard du Palais, Paris 2è

Du 16 novembre 2011 au 11 mars 2012 
Ouvert tous les jours de 9h30 à 18h. Dernier accès 45 minutes avant la fermeture.

Palagret

art contemporain

décembre 2011

       "C'est une lutte entre une fabrication mécanique et une fabrication manuelle. Vus d'une certaine distance, les pois ont l'air mécanique mais de près vous pouvez voir la trace d'une main humaine, des traits de crayon et le trou du compas." déclare Damien Hirst dans une interview au L.A. Times (1)

Spot painting de Damien Hirst

photo Nick Treby

   Orgueil démesuré ou coup marketing, Damien Hirst va investir onze galeries Gagosian à travers le monde. De New-York à Athènes, de Rome à Hong-Kong, de Paris à Londres, le peintre britannique exposera environ 300 spot paintings.

Spot painting de Damien Hirst à la galerie Gagosian de Paris

   Damien Hirst a commencé sa série de spots, ou dots, en 1986. Après avoir réalisé quelques toiles lui-même, il a passé la main à ses assistants. Ils ont produit des centaines de tableaux de toutes tailles selon la même formule: des rangs de pois, tous de couleurs différentes où le diamètre des pois est égal à la distance entre chaque pois. Ce motif géométrique basique existe dans toute les cultures, il est universel. Joyeux comme des smarties, obsessionnels, les spots paintings fabriqués à la chaîne, divisent les critiques.

Gagosian annonce les onze expositions de Damien Hirst

  " - Combien de «Spin Paintings», de «Spot Paintings» sont sortis de votre studio?
      - Peut-être 1000 «Spot Paintings». J'ai peint moi-même les 5 premiers. Quand j'ai commencé cette série, je l'ai conçue comme une série illimitée. Je les signe tous, en général au dos. Très rarement sur la toile devant, sauf si j'aime vraiment beaucoup cette pièce. Il y a peut-être 300, 400 «Spin Paintings», tous des formats différents. A peu près autant de «Butterfly Paintings». Je vais arrêter tout ça. La vente aux enchères est un bon moyen. J'ai besoin de place dans ma tête pour faire autre chose." 2

     En 2008, Damien Hirst disait vouloir arrêter les peintures sérielles mais en fait il continue. Pourquoi abandonner un si bon filon? Chez Gagosian, Hirst exposera sa première peinture à pois datant de 1986 ainsi que de plus récentes dont une toile comprenant 18 000 pois qu'il espère finir à temps pour le vernissage le 12 janvier auquel il assistera à New-York.  

   Pour varier le plaisir, Damien Hirst  produit des tableaux très grands avec des pois d'1m 50 de diamètre et des très petits avec des pois d'un millimètre.

    La majorité des oeuvres viennent de collections privées; elles seront exposées près de leurs propriétaires, donnant ainsi une carte de la dispersion des spot paintings dans le monde.

Gagosian annonce les onze expositions de Damien Hirst

   Quel sera l'effet de cette gigantesque exposition sur le marché? Damien Hirst est confiant: "J'ai produit environ 4800 tableaux dans ma vie, sans compter les gravures et estampes. Je sais que Warhol en a fait 10 000 et Picasso 40 000. Donc j'ai encore du chemin à faire."

   Damien Hirst a montré qu'il savait manipuler le marché avec sa vente aux enchères en 2008 en plein krach boursier. Habitué du scandale avec son veau d'or, ses peintures répétitives produites à la chaîne et son crâne couvert de vrais diamants, Hirst, ancien Young British Artist, est un des artistes contemporains les plus chers du monde.

The golden calf, le veau d'or de Damien Hirst

    Quel effet aura cette avalanche de spot paintings sur les visiteurs? Risquent-ils l'indigestion, l'ennui ou la fascination? D'ailleurs, qui pourra voir ces pastilles colorées dans onze galeries différentes, à part quelques afficionados du jet set? L'effet serait sans doute plus frappant si les spots paintings étaient exposés dans un lieu immense comme le Turbine Hall de la Tate Modern ou un hangar d'avion.

 Spot painting de Damien Hirst

Spot painting, Damien Hirst

DAMIEN HIRST

The Complete Spot Paintings 1986-2011

Liens sur ce blog:

La mort annoncée de Damien Hirst, un canular du Village Voice

Damien Hirst défie les galeries avec sa vente aux enchères

Yayoi Kusama et l'obsession des petits pois (dots) à La Villette

Palagret

art contemporain

décembre 2011

Sources:

1- in LA Times

2- in LeFigaro.fr, 5.09.2008

Galerie Gagosian

    Tambour, guitare, bâtons ou armature d'osier sont obsessionnellement recouverts de laines, de tissus, cachés au cœur d'un cocon géant. Profanes reliquaires exposés dans l'ancienne sacristie du Collège des Bernardins, ces sculptures textiles sont l'œuvre de Judith Scott, une femme lourdement handicapée, trisomique, sourde et muette.

Objet secret recouvert de fils et brindilles. Judith Scott, Collège des Bernardins

   Judith Scott dérobe toutes sortes d'objets hétéroclites qu'elle garde dans un grand sac: parapluie, ventilateur, morceaux de plastique ou de bambou, livre, canne. Elle en assemble certains, les lie étroitement, puis les recouvre de fils, laine, cordelette, lacet etc...

Objets secrets,  Judith Scott, Collège des Bernardins

         Souvent l'objet d'origine n'est plus reconnaissable, il est occulté par des couches successives de fil et il croît, atteignant parfois de grandes dimensions. Il devient un étrange fétiche de forme organique ou abstraite, une chrysalide qui restera close à jamais. Dès que Judith Scott décide que sa sculpture est finie, elle s'en désintéresse aussitôt et impulsivement commence une nouvelle oeuvre, toujours différente, sans suivre aucun motif. Araignée obstinée, Judith Scott tisse ses cocons en un rituel sans fin où l'objet fini importe moins que le processus.

Objet secret , escargot? Judith Scott, Collège des Bernardins

     Prendre, lier, nouer, dissimuler, recouvrir, accumuler, transformer sont les idées force de son travail, des idées non formulées intellectuellement. Judith Scott appartient à l'art brut, un art spontané, sans prétentions culturelles et sans démarche intellectuelle comme le définissait Jean Dubuffet en 1945.

Objets secrets, totem, recouverts de fils. Judith Scott, Collège des Bernardins

    Artiste autodidacte handicapée, ignorante de l'art contemporain, Judith Scott a un sens inné de la couleur et de l'assemblage, produisant des sculptures d'une grande force visuelle. Un art brut raffiné. En regardant ses objets secrets de près, on voit les innombrables strates de fils de couleurs différentes illustrant le patient travail qui aboutit à un chien, un tambour, un totem ou à une forme abstraite.

Objets secrets recouverts de fils. Judith Scott, Collège des Bernardins

     Les objets secrets de Judith Scott sont présentés au Collège des Bernardins, posés sur des praticables bleus et gris ou accrochés au plafond. Quand on tourne autour de ces cocons, ils révèlent des formes inattendues d'une étrange beauté.

 Guitare, objet secret recouvert de fils

      Judith Scott, Collège des Bernardins    

       Née à Cincinati dans l’Ohio, Judith Scott (1943-2005), atteinte de trisomie (syndrome de Down), a été placée dans diverses institutions spécialisées dans lesquelles elle eut du mal à trouver sa place. En 1986, prise en charge par sa sœur jumelle Joyce, elle rejoint le Creative Growth Art Center à Oakland, centre d’art consacré à l’art brut qui aide les personnes handicapées en les invitant à développer leur expression artistique. Judith Scott s’est spontanément engagée dans la création à 44 ans.

objet secret recouvert de fils. Judith Scott, Collège des Bernardins    

Cape papillon, objet secret recouvert de fils. Judith Scott, Collège des Bernardins    

Judith Scott, Objets secrets

Collège des Bernardins, dans l'ancienne sacristie

du 12 octobre au 18 décembre 2011

Lien sur ce blog:

L'araignée géante de Louise Bourgeois aux Tuileries

Michel Blazy, Bouquet final au collège des Bernardins, éloge de la lenteur

Tracey Emin

Palagret

art brut

décembre 2011

Une video

Le site de Judith Scott

   Le sujet central de l'oeuvre de Tracey Emin est Tracey Emin elle même. Comme dans un journal intime livré à tous, Tracey Emin relate son viol à Margate, ses avortements, son alcoolisme, son impossibilité à trouver l'amour ou à avoir un enfant. 

You bitch, Everythig you steel will turn to ash

Blanket, quilt, de Tracey Emin

     Narcissique, Tracey Emin se contemple et s'expose elle-même dans des chroniques journalistiques 1, des quilts, des films, des dessins érotiques, des néons, des sculptures qui racontent ses frustrations et ses espoirs déçus. Une vie misérable auquel le succès artistique ne semble pas apporter de réconfort.

      Sometimes nothing makes sense and everything seems so far away, no chance

Quilt de Tracey Emin

   L'exposition "Love is what you want" à la Hayward Gallery de Londres présente une rétrospective sur vingt ans de l'oeuvre de Tracey Emin.  A côté d'un pont de bois branlant (knowing my enemy 2002), la première salle accueille une dizaine de blankets, couvertures grossièrement brodées accrochées aux murs. De loin, les quilts colorés ont l'air joyeux, de près ils révèlent le monde douloureux de Tracey Emin montré comme une continuelle performance de violence et de trahison.

The end of something real, blanket de Tracey Emin

 Les couvertures-bannières de Tracey Emin portent des phrases crues:  Psycho slut, they were the ugly cunts, Harder and Better Than All of You Fucking Bastards, Heller fucking skelter, Fuck school why go somewhere every day to be told you’re late.

   Des phrases désabusées: I Didn’t Know I had to Share Your Life, You Cruel Heartless Bitch, Rot in Hell.

   Des phrases banalement sentimentales: I find your attitude a little bit negative, I want an international lover that loves me more than the world, we are going to get married in Las Vegas. 

Psycho slut, Permission to fire. Bannières de Tracey Emin

    Chaque bannière est un assemblage de tissus de textures contrastées, mates ou brillantes, et de motifs différents (fleurs, points, rayures) comme les quilts traditionnels faits de chutes et de vêtements usagés cousus ensemble, une pratique économique pour fabriquer des couvertures à partir des restes. Ces quilts, réceptacles de la mémoire domestique, racontaient aussi l'histoire des familles.      

   Les couvertures appliquées sont aussi une réminiscence des bannières portées dans les processions religieuses ou politiques avec leurs slogans et leurs images.

suspect, détail, bannière de Tracey Emin

 Tracey Emin applique des lettres, des dates, des documents, des messages obscurs et de petits dessins cousus sur le support. Le mélange des formes, couleurs et mots forment un patchwork, un collage très lisible relatant un évènement précis où Tracy Emin crie sa colère, son dégoût, sa déception. Emin se protège en objectivant son histoire, comme en contenant son malheur dans les pages d'un journal intime. Un journal halluciné pas si loin de l'art brut, sauf que Tracey Emin est loin d'être naïve.

Total paranoïa, I find your attitude a little bit negative

I am disgusted by your envey, bannière de Tracey Emin

   On repère sur les couvertures des fautes d'orthographe, intentionnelles ou pas. Les erreurs révèleraient la spontanéité de l'artiste mais fabriquer de telles couvertures prend du temps, assez pour corriger les erreurs si on le veut. Les confusions de lettres sont peut-être une transgression de plus ou une coquetterie, une attitude rarement attribuée à la plasticienne anglaise.

    Sur les couvertures, seuls les textes sont provocants. Les dessins, tableaux et vidéos exposés dans d'autres salles sont plus crus.

Couvertures brodées  et cabane (knowing my enemy 2002) de Tracey Emin à la Hayward Gallery

    Comme Frida Kahlo, Louise Bourgeois ou Yahoi Kusama, Tracey Emin ressasse les traumatismes de sa vie, la perte de son innocence, et en fait sa légende. A partir de techniques plutôt féminines, le quilt, les aiguilles, la broderie, Tracey Emin réalise une oeuvre dérangeante et brutale, transgressant les clichés de "l'art féminin".

Lettre H cousue

Quilt de Tracey Emin

    Les critiques sont divisés sur la valeur de son art, certains trouvent complaisante, vulgaire et sans intérêt cette accumulation d'anecdotes dignes d'un soap-opera. D'autres voient en Tracey Emin une des artistes les plus importantes de sa génération.

      I do not expect to be a mother but I do expect to die alone

I want an international lover that loves me more than the world

Quilt de Tracey Emin

   Entre voyeurisme, fascination et répulsion, le public observe l'oeuvre auto-biographique de Tracey Emin, une œuvre totalement tirée du réel mais aussi fictionnelle, mise en forme.

We are going to get maried in Las Vegas, we will drive across America

and have our honeymoon in the carribean

petits messages optimistes cousus sur une blanket de Tracey Emin

     Tracey Emin est née en 1963 à Croydon en Angleterre. Elle fait partie des British Young Artists repérés par Charles Saatchi. Elle s'est fait connaître du grand public par différents scandales: My bed (1998), la tente de Everyone I have ever slept with (1963-1995) etc ...

  It doesn't have to be like that, love to the end

Blanket de Tracey Emin, Love is what you want

   Ironiquement, "Love is what you want", l'amour est ce que vous voulez, est un titre fleur bleue, bien consensuel, pour une exposition aux images sexuelles provocantes. 

Love is what you want. Tracey Emin

Blankets, neons, films, memorabilia, drawings, paintings, sculptures, writings 

Hayward Gallery, Londres

Du 18 mai au 29 août 2011

My life in column, chronique de Tracey Emin dans The independant

Liens sur ce blog:

Saint-Valentin: Tracey Emin illumine Times Square de néons romantiques

Yayoi Kusama et l'obsession des petits pois (dots) à La Villette

L'araignée géante de Louise Bourgeois aux Tuileries

Journée des femmes: Agnès Thurnauer réécrit l'histoire de l'art au féminin

Palagret

art contemporain

novembre 2011

Sources:

The telegraph

The Guardian 

Dossier de presse

1- Rubrique " My life in a column " dans le quotidien The Independent. 

Tracey Emin à la galerie Saatchi

Love is what you want

Mots clés: Tracey Emin, blanket, quilt, bannière, couverture, Hayward Gallery

Calme bloc ici bas chu d'un désastre obscur ...

   Octagon for Saint Eloi, la sculpture de Richard Serra installée depuis 20 ans à Chagny suscite toujours la controverse comme le relate le blog F6mig.

    Commande publique d'état, conçue spécialement pour le site, Octagon est un bloc de rouille de 57 tonnes posée devant l'église Saint-Martin, en hommage à Saint Eloi patron des orfèvres et des forgerons. Sa forme octogonale renvoie à la forme des baptistères, 8 est le chiffre de la résurrection.

Octagon for Saint Eloi, sculpture de Richard Serra, 1991

2 mètres de haut sur 2,40 de diamètres, bloc d'acier indaten

forgé par Creusot-Loire industrie

   Surnommé le boulon par les habitants, Octagon irrite les fidèles qui se rendent à la messe. Pourquoi une telle oeuvre à Chagny, à l'écart des centres d'art contemporain? L'ancien maire en poste de 1977 à 1993 était un amateur d'art.

Octagon for Saint Eloi, sculpture de Richard Serra, 1991

devant l'église Saint-Martin de Chagny en Saône et Loire

Calme bloc ici-bas chu d'un désastre obscur
Que ce granit du moins montre à jamais sa borne
Aux noirs vols du Blasphème épars dans le futur. 1

   Les oeuvres de Richard Serra, souvent monumentales, ont bien des difficultés à convaincre le public telles Tilted Arc à New-York, Bellamy dans le Bronx, « Equal-Parallel/Guernica-Bengasi » à Madrid ou Shift au Canada.

Voir les différents articles:

Richard Serra: Shift, sa sculpture monumentale sauvée ?

Richard Serra, Clara Clara aux Tuileries

Richard Serra, Monumenta 2008 au Grand Palais

Palagret

sculpture en plein air

novembre 2011

1- Le tombeau d'Edgar Poe, Stéphane Mallarmé

   Le cube d'Evariste Richer semble bien petit au fond de la nef du Collège des Bernardins. Composé de dés de couleurs empilés pour former un cube de 8000 pièces, il pèse 76 kg, moyenne statistique du poids d’un être humain. Cumulonimbus devient ainsi une métaphore de nos destins, de nos rencontres avec le hasard. 

"Cumulonimbus Capillatus Incus", cube d'Evariste Richer

nef du collège des Bernardins

      Son nom, "Cumulonimbus Capillatus Incus", désigne un énorme nuage présentant la plus grande extension verticale, très souvent associé à des phénomènes violents comme les tornades et la grêle.

"Cumulonimbus Capillatus Incus", cube d'Evariste Richer

nef du collège des Bernardins

   "Des dés, il en a été plusieurs fois question dans l'oeuvre d'Evariste Richer. En 2000, pour la fête du Millénaire, il a réalisé un dé à jouer dépourvu de numérotation. Un instrument vierge qui met l'imagination au pouvoir et redéfinit les possibles en art comme dans la vie. Huit ans plus tard, il utilise encore cet objet en accrochant au mur un dé ordinaire qu'il nomme "Le grêlon noir". En rotation, à grande vitesse, pour symboliser le mouvement perpétuel de notre monde." 1

"Cumulonimbus Capillatus Incus", cube d'Evariste Richer

nef du collège des Bernardins

   Evariste Richer est un arpenteur, il mesure le monde et ses phénomènes naturels météorologiques, cosmiques, géologiques ou optiques. Les nuages, la grêle, la pluie, les aurores boréales ou le rayon vert l'inspirent.

   Ses observations s'incarnent, décalées, en sculptures conceptuelles. Au-delà de leur force plastique, les oeuvres nécessitent une explications pour les comprendre.

"Cumulonimbus Capillatus Incus", cube d'Evariste Richer

nef du collège des Bernardins

Evariste Richer

Cumulonimbus Capillatus Incus

Du 12 octobre au 18 décembre 2011

Collège des Bernardins

20 rue de Poissy. 75005 Paris
01.53.10.74.44

Liens sur ce blog:

Claudio Parmiggiani au collège des Bernardins: après le fracas

Claudio Parmiggiani, cloches muettes au Collège des Bernardins

Claudio Parmiggiani au collège des Bernardins: le labyrinthe brisé

Michel Blazy, Bouquet final au collège des Bernardins, éloge de la lenteur

Liens:

Galerie Schleicher+Lang

Palagret

art contemporain

octobre 2011

   Une bouche géante nous guette au bout du long couloir blanc. En passant, les voyageurs jettent un coup d'oeil distrait sur la mosaïque de Geneviève Cadieux, peu troublés par l'énormité de cette bouche aux lèvres fermées. 

     Les gros plans du cinéma, les affiches publicitaires et l'art pop nous ont habitués à voir des détails du corps humain démesurément agrandis. Une étrangeté qui ne nous inquiète plus. 

 "La voix lactée", mosaïque de Geneviève Cadieux, métro Saint-Lazare

mosaïque de verre de 3 x 8 mètres

    Parfois un couple d'amoureux s'arrête devant les lèvres fardées d'écarlate et se photographie comme ils se photographieraient devant le coeur géant de Jeff Koons. Les lèvres sont une image sensuelle, elles appartiennent à l'iconographie érotique.

 "La voix lactée", mosaïque de Geneviève Cadieux, métro Saint-Lazare

   "La voix lactée", image de lèvres isolées du reste du visage pourrait être une publicité pour un rouge à lèvres. Geneviève Cadieux utilise les codes de la communication commerciale pour mettre en évidence le regard masculin qui transforme la femme en objet sexuel. Cependant, en regardant bien, on s'aperçoit que ces lèvres ne sont pas celles d'une jeune femme. L'artiste a photographié le visage de sa mère et isolé la bouche. Le passant ignore cette deuxième signification qui renvoie à la maternité et à l'intime.

«Dans mon œuvre, les  lèvres  étaient  transgressives  en  ce  sens qu’elles étaient  vieillissantes  et  que  le  travail  était  réalisé  par  une femme. C’était comme si je revendiquais une voix», explique Geneviève Cadieux.1

"La voix lactée", mosaïque de Geneviève Cadieux, métro Saint-Lazare

   Le mur voûté au bout du couloir fonctionne comme une fenêtre où viendrait se coller la bouche d'une géante dont le visage trop énorme ne peut entrer. On songe à King Kong dans le film, l'oeil encadré par la fenêtre, espionnant la jeune fille réfugiée dans l'immeuble. On songe à Gulliver ou à Alice au pays des Merveilles tantôt trop petits pour le décor où ils évoluent, tantôt trop grands.

    A la télévision, une publicité récente joue aussi sur la différence d'échelle en montrant un visage s'encadrant dans la baie vitrée du métro aérien.

"La voix lactée", mosaïque de Geneviève Cadieux, métro Saint-Lazare

  Accompagnant l'oeuvre plastique, quelques lignes d'"une fois seulement", un poème d'Anne Hébert sont inscrites en noir dans un bandeau, sur le mur gauche du couloir:

Bien avant les images et les couleurs

La source du chant s'imagine

A bouche fermée

Comme une chimère captive 

Poème d'Anne Hébert pour la Voix Lactée

    Comme les carreaux de faïence blanche, la mosaïque pariétale réfléchit doucement la lumière des néons. Geneviève Cadieux est une artiste canadienne née en 1955. Elle s'intéresse au corps, à l'intimité et au féminisme.

    La Voix Lactée, mosaïque de verre du métro parisien est une variation de la photo géante exposée depuis 1992 sur le toit du Musée d'Art Contemporain de Montréal. Tel un panneau publicitaire géant, la photo est visible de la rue et s'inscrit dans l'espace public, tout comme les lèvres du métro.

"La voix lactée", mosaïque de Geneviève Cadieux, métro Saint-Lazare

   En 1966, la RATP a prêté puis donné à la STM (Société de transport de Montréal) une bouche de métro parisien signé Hector Guimard (station Square-Victoria). En échange, la STM offre au métro de Paris une oeuvre d’art ayant pour thème la langue française: La voix lactée.

   La mosaïque est située au métro Saint-Lazare dans le couloir de correspondance entre la ligne 14 et la ligne 9 à Saint-Augustin.

Liens:

Une voix féministe de l’intime, Julie Lavigne, Université McGill

Palagret

octobre 2011

archéologie du quotidien